El dibujante (VII): Así se las gastaba Miguel Ángel

Hola de nuevo. Hoy me gustaría contar una pequeña anécdota sobre Miguel Ángel. Por lo visto, el artista florentino tenía un temperamento ciertamente muy difícil. No era ni sociable ni fácil de tratar. 

El maestro de ceremonias
Biaggio da Cessena,  en
el Juicio Final de
Miguel Ángel.

En Roma, se contaba un pequeño incidente que tuvo con Rafael y que da buena muestra de esto que comento. Un día, Rafael acompañado por sus discípulos, se encontró con Miguel Ángel. Éste le dijo con desprecio: “pareces un príncipe rodeado de tus cortesanos”, a lo que Rafael respondió: “y tú solitario, como un verdugo”. Así era Miguel Ángel. Rafael, con esta frase, le caló a la perfección. 

Pero a lo que íbamos. Veinte años después de pintar la bóveda de la capilla Sixtina, Paulo III encargó a Miguel Ángel la decoración de la pared del altar. El tema elegido fue el Juicio final (esta vez no hubo discusión al respecto). Miguel Ángel aceptó el encargo aunque de mala gana, pues creía que con el nuevo Papa podría ocuparse de la tumba de Julio II, cuya ejecución venía demorando por culpa de los encargos impuestos por los papas Médici. 

Vasari cuenta como un día, mientras el Papa, acompañado por su maestro de ceremonias Biaggio da Cessena, visitaba la capilla, éste le hizo el comentario de que "tantos desnudos resultaban indecorosos para un lugar como aquel". Miguel Ángel oyó la crítica y le enfureció, por lo que, una vez que el Papa y su compañero se hubieron marchado, retrató a Biaggio da Cessena en el infierno, en medio de un grupo de diablos (haciendo amigos). 

Al verse en el fresco de aquella guisa y en el infierno, el maestro de ceremonias puso el grito en el cielo, fue a quejarse ante el Papa y a solicitar que le quitaran de allí. El Papa fue a ver lo que le decían y, tras unos momentos de contemplar el fresco vino a decir: si te hubieran puesto en el Purgatorio podría hacer algo más; en el infierno nada puedo, pues para los que están allí no hay redención posible. Y se marchó, dejando así a Miguel Ángel cumplir su venganza. 

Siempre me hizo gracia la salida del Papa, muy ocurrente, reflejando lo complacido que estaba con la obra del florentino, a pesar de los desnudos y del desquite con su maestro de ceremonias.

El dibujo de hoy me sirve para dar la bienvenida al verano y para alegrarme por todos los que hoy ya están de vacaciones hasta el curso que viene. Disfrutad de un merecido descanso.

El Verano (2012). Luis M. G. M.

El artista recomendado hoy es Serge Marshennikov ciertamente brillante en mi modesta opinión
.

Luis M. G. M.

El Dibujante (VI): El Perseo de Cellini

Hoy os traemos una nueva entrada de la sección El Dibujante, de la mano de Luis M.G.M., como siempre, nuestro dibujante anónimo. A mi, particularmente, es el dibujo que más me ha gustado hasta ahora. Para continuar con la anterior entrega, hoy también está relacionada con la mitología. Esperamos que os guste tanto como nos gustó a nosotros....

El manierismo fue la corriente artística predominante en Italia, tanto en pintura como en escultura durante el siglo XVI. En escultura, el hallazgo en Roma del grupo helenístico del Laocoonte conmovió el ambiente artístico de la época, orientándolo hacia un estilismo refinado. También influyeron profundamente las obras de Miguel Ángel, que aportaron un idealismo dramático característico de la escultura manierista.

Benvenuto Cellini.

Benvenuto Cellini, además de orfebre, fue uno de los más célebres escultores manieristas. Es recordado no sólo como artista, sino también como escritor, gracias a sus memorias que llevan por título Vida de Benvenuto Cellini, uno de los libros más divertidos de su época y un vivo retrato del tiempo excepcional que le tocó vivir.

Cellini nació en Florencia en el año 1500. A los 14 años, inició su formación artística en su ciudad natal, continuándola después en Pisa y, finalmente, en Roma, donde adquirió gran prestigio como orfebre. Estamos hablando de una época donde un artífice tan extraordinario como Cellini podía ser tan valorado como un buen escultor o buen pintor. En Roma, sus problemas con la justicia le hicieron entrar en prisión —había asesinado a un hombre a sangre fría—, pero tras varios años y gracias a la intercesión del cardenal Hipólito de Este, consiguió salir de la cárcel y marchar a Francia donde fue acogido por el Rey Francisco I. Sin embargo, poco fue lo que logró a cambio: un relieve en bronce conocido como la Ninfa de Fontainebleau, una estatua de Júpiter —hoy desaparecida— y un salero que, actualmente, se guarda en el Museo de la Historia del Arte de Viena.

El verano de 1545, decide viajar con el propósito de establecerse en Italia. Así, llega a Florencia donde Cosme I de Médicis, que inauguraba la dinastía de los duques de Toscana, le recibe y le propone como primer trabajo la realización de una estatua monumental de Perseo, el célebre héroe de la mitología griega hijo de Zeus y de Dánae “obligado” a conseguir la cabeza de Medusa. La estatua podía ser en mármol o en bronce, para colocarla en la Plaza de la Señoría. Ilusionado con el encargo, en pocas semanas presentó un modelo en cera, que fue muy del agrado del duque. Cellini empezó su magna obra por el cuerpo de Medusa descabezada y a continuación realizo la figura de Perseo. La principal dificultad de la obra era que se pudiera fundir la cabeza de Medusa, que estaba en lo alto sujeta por la mano de Perseo, junto con el resto de la estatua.

En sus memorias, Cellini cuenta como fue la fundición de la escultura. Se hizo en una noche que descargó un temporal fortísimo en la que explotó el horno saltando la bóveda. El artista estaba enfermo con fiebre alta; a medio fundir, notó que escaseaba el metal y tuvo que echar al horno toda su vajilla de estaño:

“Una vez llenado el molde, me arrodillé y di gracias a Dios. Después me lancé sobre un plato de ensalada y comí con toda la brigada. Eran las dos de la noche cuando me tumbé en la cama. Empecé a descansar dulcemente; al despertarme ya era hora de la comida…[...] Después que hube dejado enfriar el bronce dos días, empecé a descubrirla y, lo primero que saqué del molde fue la cabeza de medusa, que había salido perfecta; igualmente salió la testa de Perseo. Y fue maravilla que no faltó metal para ninguna de las partes. Parecía un milagro.” 

Únicamente, en el pie de la pierna derecha faltaban dos dedos. El duque quedó tan complacido con el resultado que regaló a Cellini la casa en la que le habían alojado.

Perseo de Cellini, en la Plaza de Señoría (Florencia)

El lugar de emplazamiento fue el previsto, la Plaza de la Señoría, concretamente, en la Loggia dei Lanzi, sobre un pedestal, también obra suya. Se trata de una joya en mármol decorado con estatuillas de bronce con personajes relacionados con el héroe: Mercurio, Danae…. El 27 de abril de 1554, se presentó la estatua, que tuvo una entusiasta acogida por parte de los florentinos. En la plaza, ya se encontraban el David de Miguel Ángel, y el grupo de Judith y Holofernes de Donatello —un bronce donde aparece la heroína bíblica cortando la cabeza del tirano y que, una vez expulsados los Médicis del gobierno de la República, situaron delante del Palacio Viejo como símbolo de libertad y de triunfo del pueblo frente a los opresores—. A la vuelta de éstos al poder, y una vez derrocado Savonarola, dejaron la estatua en la plaza con el fin de no herir la sensibilidad del pueblo. En contraposición a la Judith republicana, unos años después, Cosme I presentó el Perseo, que muestra al héroe matando al monstruo femenino y enseñando su cabeza al pueblo. 

El Perseo es una estatua magnífica con la que Cellini acertó genialmente. Por fortuna, sigue en la plaza. No ha sido sustituida por copias, como ha ocurrido con las obras de Miguel Ángel y de Donatello y, gracias a la limpieza a la que fue sometida hace relativamente poco tiempo, conserva el mismo aspecto maravilloso que debió tener el día de su presentación. 

Y después de hablar un poco sobre arte, pasamos a nuestra habitual sección de bricolaje. El dibujo que presento hoy es una bañista. Una vez representada a la chica, por sí solo quedaba un poco pobre, por lo que la idea era presentarla a la manera en la que algunos pintores fascinados por Oriente gustaban representar a las protagonistas de sus cuadros. Esto es, dentro de un entorno exótico. Aunque me da la sensación que el dibujo se parece más a una escena de la película El ladrón de Bagdad de Douglas Fairbanks que a un cuadro de Gérôme, aunque todo esté relacionado.

La Bañista (2011). Luis M. G. M.

Lo único que no me termina de convencer del dibujo es el fondo. A lo mejor resultan excesivas la torre y, sobre todo, la cúpula: demasiado llamativas. Me da la sensación que le quitan protagonismo a la chica y al reflejo de su figura en el agua, que fue uno de los motivos por los que me animé a hacer este dibujo. No obstante, con este fondo, conseguí un contrapeso con el que compensar la figura de la bañista y, de este modo, equilibrar la composición. Así pues, al final preferí dejarlo tal y como lo veis ahora. Espero que os guste.

Por último, el artista recomendado de hoy se llama Gabriel Picart, me encantan los vivos colores y la luminosidad de algunos de sus cuadros. También sus paisajes urbanos, sobre todo la serie dedicada a Venecia. 

Por Luis M.G.M.

Fuente.

• PIJOÁN, J. Renacimiento Romano y veneciano. En "Summa Artis: Historia General del Arte"; vol. XV. Madrid. 1988
• VV.AA. Enciclopedia Salvat. Barcelona, 1970.

El Dibujante (V): Edipo

Edipo, protagonista de una de las tragedias más célebres de la literatura griega, ha servido de inspiración a escritores, pintores y músicos a lo largo del tiempo.

Hijo de Layo y Yocasta, Reyes de Tebas, en el momento de su nacimiento, el oráculo, anuncia que mataría a su padre y se casaría con su madre. Para evitarlo, el rey de Tebas abandona a su hijo, perforando sus tobillos y atravesándolos con una correa para que nadie se hiciera cargo de él. Sin embargo, no muere, sino que es encontrado por unos pastores y criado por el rey de Corinto, que le pone por nombre Edipo, que significa "pies hinchados". Una vez llegada a la adolescencia, Edipo sospecha que Polibo, Rey de Corinto, no es su padre, y decide acudir al oráculo de Delfos para salir de dudas. En el transcurso de este viaje, Polifontes, heraldo del rey de Tebas, al pedir paso para su Señor y no ver atendido su requerimiento, mata a uno de los caballos de Edipo. Éste, encolerizado, da muerte al criado y a Layo, con que queda cumplida la primera parte de lo que predijo el oráculo. 

Al llegar a Tebas, se encuentra con la esfinge, monstruo mandado por Hera para castigar al Rey Layo, atormentando su ciudad. La esfinge devoraba a los viajeros que no lograban dar con la solución a sus acertijos. Solía preguntar: 

"¿Cuál es el ser que anda ora con dos, ora con tres, ora con cuatro patas y que, contrariamente a la ley general, es más débil cuantas más patas tiene?"

Había también otro enigma: 

“Son dos hermanas, una de las cuales engendra a la otra y, a su vez, es engendrada por la primera”. 

Edipo y la esfinge (1864).
Gustave Moureau

Pero Edipo sí consigue dar con las respuestas, por lo que la esfinge, despechada, se precipita desde lo alto de la roca en la que estaba posada. 

En otra versión más antigua, todos los días los tebanos se reunían para resolver en común el enigma pero jamás lo conseguían. Y al término de la reunión, la esfinge devoraba a uno de los habitantes. 

Los tebanos, en agradecimiento por librarlos del monstruo, le dan en matrimonio a la viuda de Layo y lo nombran Rey. Así, se cumple la otra parte de lo que había predicho el oráculo.

A continuación, Tebas sufre una plaga que, según el oráculo, no cesará hasta que el asesino de Layo pague por su crimen. Edipo trata de averiguar quién es el culpable para terminar con la peste, y manda llamar a Tiresias, que presenció la muerte del Rey. Se da la casualidad que es el mismo criado al que Layo encargó abandonar a Edipo.

Al final, se acaba sabiendo que es hijo de Layo y Yocasta y que es él el asesino que andaban buscando. Al saber de la noticia, Yocasta se quita la vida y Edipo se quita los ojos con los broches del vestido de ésta.

Aunque hay que decir que cada autor ha introducido las variantes que consideraba más convenía al relato, a grandes rasgos, ésta es la tragedia de Edipo. A pesar del tiempo transcurrido, sigue siendo una gran historia o por lo menos para mi. Muchos son los pintores que se han dejado seducir por el tema. Principalmente, se suele representar a Edipo "enfrentándose" a la esfinge. Así, aparece en algunas vasijas griegas que han llegado hasta nuestros días y, en tiempos más recientes, en obras de pintores como Gustave Moreau, Jean-Auguste Dominique Ingres ─en una obra de juventud lo representó en una de las más reconocibles versiones del tema─, Françóis-Xavier Fabré o Chirico. En otras ocasiones, se representa a Edipo al lado del cuerpo de Yocasta, una vez que ésta se ha quitado la vida, o a Edipo ciego, ya en el destierro de Tebas, acompañado de su hija Antígona.

Edipo y la esfinge (1808). Dominique Ingres.

En cuanto veáis el dibujo que presento hoy, comprenderéis por qué he decidido contar la historia de Edipo. Mi pequeña aportación…. Yo también elegí el momento del encuentro con la esfinge. Con diferencia, lo que más me costó del dibujo fue inventar un paisaje para situar a los personajes (y es que no me salía). Tuve que hacer varios intentos hasta que, al final, dejé éste que veis. A la esfinge la situé a la entrada de una gruta; luego, entre los dos personajes, al fondo, dibujé la ciudad de Tebas y a Edipo, le puse con una vara, como pequeño guiño que tiene que ver con la respuesta del primer acertijo. Espero que os guste.    

Edipo y la esfinge (2011). Luis M.G.M.

El artista recomendado de hoy es François Chatier. Siempre me sorprende el virtuosismo de estos pintores. Sobre todo, me gusta la serie titulada Waterworld. 

Luis M.G.M.

El Dibujante (IV): Las Cuatro Pascuas

Para el retablo de la capilla mayor de la Iglesia conventual de San Pedro Mártir, que los dominicos tenían en Toledo, Juan Bautista Maíno pintó las cuatro pascuas: La Adoración de los Magos, La Adoración de los Pastores, La Resurrección de Cristo y Pentecostés. Además, el conjunto se completaba con otras pinturas de menor tamaño. Maíno, que nació en Pastrana, se formó como pintor en Italia. En 1611, llegó a Toledo y, en 1612, empezó la ejecución de este importante encargo; al año siguiente, ingresó en la Orden de Santo Domingo. 

Portada de San Pedro Mártir, por Luis M.G.M.

La Iglesia de San Pedro Mártir es obra de comienzos del siglo XVII, de estilo Post Herreriano. La traza inicial se debe a Nicolás de Vergara y la ejecución es de Juan Bautista Monegro. La verdad es que es una Iglesia a la altura de la importancia que los dominicos tuvieron en la ciudad de Toledo. En un primer momento, por la imposibilidad de fundar dentro de la muralla, tuvieron que irse cerca de la puerta del Vado y no es hasta 1407, gracias a la donación de las casas de Doña Guiomar de Meneses, que consiguen ocupar parte del emplazamiento actual que con el tiempo se fue ampliando.

A los pies de la torre mudéjar de la Iglesia de San Román, se sitúa la portada de San Pedro Mártir. En ella, se puede apreciar el escudo Real, la escultura del titular de la casa ─San Pedro de Verona─ y las esculturas de dos virtudes teologales la fe y la caridad.

En el siglo XIX, durante la Guerra de la Independencia, gran parte del convento fue ocupado por tropas francesas y los objetos de culto más valiosos fueron requisados cuando los frailes trataban de ponerlos a salvo llevándoselos a Carmona. En 1835, la desamortización de Mendizábal provoca la exclaustración de los dominicos, todos sus bienes son inventariados y posteriormente subastados. El importante fondo pictórico que atesoraba el convento, entre los que se encontraban los lienzos de Maíno situados en el retablo principal, pasan a manos privadas. El edificio que albergaba el convento, pasa a ser propiedad del Ministerio de Guerra. Después, por una permuta, pasa a la Diputación Provincial, que le da distintas utilidades museo, biblioteca y, finalmente, sede de las instalaciones provinciales de beneficencia hasta 1981. Después de unos años, el Ministerio del Interior se hace cargo de la rehabilitación del edificio para utilizarlo como sede de la Delegación del Gobierno en Castilla-La Mancha, pero no llega a ocuparlo, pues lo cede a la Universidad, siendo actualmente la sede de la Facultad de Ciencias Jurídico-Sociales. Hoy en día, la iglesia de San Pedro Mártir hace las veces de salón de actos de la Facultad.

En cuanto a la suerte sufrida por los cuadros de Maíno ante las catastróficas consecuencias de la desamortización de los bienes de la Iglesia para el patrimonio cultural, el gobierno de la Reina Regente María Cristina crea una comisión que tiene como propósito rescatar el mayor número posible de objetos artísticos de los edificios expropiados. Con los de mayor valor, entre los que se encontraban los cuadros del retablo, se consigue crear el Museo de la Trinidad, cuyos fondos se fusionarán posteriormente con los del Museo del Prado pero, ante la incapacidad de recogerlos en sus instalaciones, se distribuyen por diversas instituciones de todo el Estado, con lo que el conjunto que formaba el retablo se dispersa, sufriendo una suerte desigual.  Alguno, incluso, fue robado, aunque afortunadamente en la actualidad todos los cuadros se encuentran en el Museo del Prado.

Retablo de San Pedro Mártir.

La verdad, es una lástima que estas obras de Maino salieran de la ciudad de Toledo y, sobre todo, que el retablo quedara desposeído de ellas. Así, el programa religioso propuesto en él, quedó completamente desvirtuado. Este gran retablo, que consta de tres calles, banco y ático, debe su traza al arquitecto Juan Bautista Monegro y, en él, trabajaron, además del citado Maíno cuyas pinturas decoraban las calles laterales y predela, otros artistas de renombre en su momento, como el escultor y ensamblador Juan Muñoz, y el escultor Giraldo de Merlo. En su día, en la hornacina central del primer cuerpo, había una imagen de la Virgen del Rosario, como advocación primordial de la Orden Dominica. Por encima de ésta, en el segundo cuerpo, se sigue conservando un relieve del martirio de San Pedro de Verona, titular de la casa. Coronando todo el conjunto tenemos un Cristo crucificado, símbolo de la redención, San Juan y la Virgen María y, a los lados, las imágenes de dos santos dominicos: Santo Domingo de Guzmán, fundador de la orden, y Santo Tomás de Aquino. Para que os hagáis una idea de cómo era el retablo en origen, os dejo este fotomontaje.

Al profesar como religioso, Maíno siguió pintando aunque, sin duda, su producción se vio afectada tanto en el número como en la temática de sus obras. En 1620, fue llamado a la Corte por el rey Felipe III para que fuera el profesor de dibujo del futuro Felipe IV. Allí y como hecho curioso, decir que conoció y fue valedor de un joven Velázquez, que empezaba en Madrid.

Para dar a conocer su figura y su obra, el Museo del Prado le dedicó, en el año 2009, una exposición monográfica. Considero que sería de justicia, ahora que se cumplen cuatrocientos años de la realización de estas preciosas pinturas conocidas como las cuatro Pascuas, organizar una exposición en la Iglesia de San Pedro Mártir, con el conjunto completo que decoraba el retablo mayor. Sin duda, sería una suerte poder verlas en el lugar para el que fueron creadas, ver cómo era el retablo en origen y no la sombra de su pasado que es en lo que se ha quedado. Además, sería la excusa perfecta para que se pudiera visitar esta Iglesia, que permanece cerrada al público y sin duda, otro aliciente más para visitar Toledo. Ahí dejo la idea y, quién sabe si con el tiempo y un poco de interés, las obras podrían volver a casa aunque fuera temporalmente.

Del dibujo que presento no voy a contar nada, que por hoy ya me he extendido bastante. Simplemente, os lo dejo, esperando que reconozcáis de quién se trata. Ojalá que os guste y que acertéis su identidad. Bueno, os daré una pista, mi vecina del tercero no es, que nunca ha querido que la dibujara…. Eso lo tenemos que volver a hablar…

Entre sábanas, por Luis M.G.M.

El artista recomendado de hoy es un dibujante excepcional. Es alemán y se llama Dirk Dzimirsky.  

Dedicado con todo nuestro cariño a Carmen, para que desde Inglaterra se acuerde de nosotros. Un beso muy fuerte. 

Luis M.G.M.

El Dibujante (III): A mi también se me va la pinza...

La entrada de hoy esta dedicada a Salvador Dalí, Creo que  todo el mundo conoce algo de su obra, sus celebérrimos Relojes blandos, El  Cristo de San Juan de la Cruz,  El retrato de su hermana pequeña asomada a la ventana... Fue, sin duda, uno de los grandes pintores del siglo XX. Si tuviera que destacar algo de Dalí como artista, sería su gran creatividad, tenía una imaginación desbordarte, su maestría con los pinceles, y su versatilidad, pues no sólo se dedicó a la pintura, también diseñó joyas, muebles, realizó esculturas, escribió libros, colaboró con el mundo del cine y del teatro… Además, fue un hombre que mostró un gran interés por el psicoanálisis y los avances científicos de su época: la física quántica,  la fusión del átomo, la teoría de la relatividad y todas estas inquietudes trató de trasladarlas  a su obra.

Pero, además de un gran artista, Dalí  fue todo un “personaje”, con una personalidad única e irrepetible que hizo de la provocación la mejor forma de publicitarse (ya sabéis lo importante es que hablen de uno aunque sea mal). Solía hacer cosas disparatadas, una vez dio una conferencia con una barra de pan sobre la cabeza y, en otra ocasión, asistió en Nueva York a una fiesta  que daban en su honor junto con  su esposa Gala disfrazados del hijo de Limberg y de su secuestrador. El escándalo fue tal que se vio obligado a pedir disculpas públicamente y como éstas se podrían contar muchas más. Esta continua performance que era Dalí, esta manera de comportarse en público, supongo que haría pensar a más de uno de sus contemporáneos que, cuando menos, estaba un poco loco. También hay que reconocer que esa actitud provocadora y esa forma de ser, le granjeó  no pocas criticas y polémicas, pero todo forma parte del genio que era Dalí.

Para que veáis como era realmente Dalí os dejo está entrevista que le hicieron en TVE que, aunque está en blanco y negro, creo que merece la pena. En ella, le podemos ver contando cómo era  su relación con Picasso, o cómo le metieron en la cárcel en Nueva York por hacer una de las suyas o cuando le expulsaron de la Academia de San Fernando donde estudiaba (que manera más original de suspender un examen). La verdad es que es una suerte poder contar con este tipo de documentos que, con el paso del tiempo, van adquiriendo un mayor valor. La entrevista es un poco larga pero creo que se le puede dar una oportunidad. Tampoco hace falta verla toda de una sola vez….

El título que le he puesto a la entrada  es  porque, cuando enseñe en casa este  dibujo, lo  que me dijeron fue "¿Qué es ésto?... Otra vez se te ha ido la pinza". Y yo siempre que lo veo  me acuerdo del comentario.  Creo que  no es para tanto,  tampoco está tan mal, pero la crítica ya se sabe…

Al borde del abismo, por Luis M.G.M.

Sí reconozco que es un poco diferente a lo que he presentado hasta ahora, se titula "Al borde del abismo" (por cierto un título lamentablemente muy de actualidad). Las dos figuras del dibujo están representadas como si fueran elementos de un edificio. El hombre, un atlante que soporta el peso  de la estructura, y el monstruo, como si fuera un  ornamento de un edificio, como una quimera. En cuanto al sentido del dibujo,  pues es una pequeña denuncia contra la cosificación del Hombre y su instrumentalización para el provecho de unos pocos y las situaciones limite que para muchos  eso conlleva. 

El artista que hoy recomendamos es un escultor, se llama Kuski, en algún sitio  califican su estilo como Barroco Post Apocalíptico. A mi, su obra me parece un poco desconcertante, pero seguro que tiene su público. 

Un saludo. Y hasta la próxima.

Luis M.G.M.

El Dibujante (II): El placer de la Lectura

¡¡Hola de nuevo!! 

El dibujo que presentamos hoy, me sirve de pretexto para hablar un poquito sobre el genial pintor holandés Johannes Vermeer, pintor nacido en Delft en la primera mitad del siglo XVII. Este fue un siglo convulso, pero muy fructífero para las artes. En esta época, nos encontramos en Holanda una próspera burguesía que, para decorar las habitaciones de sus hogares, compra cuadros de pequeño formato con una temática distinta a la que solía solicitar la nobleza y la iglesia en el resto de Europa. En Holanda se pintan bodegones, paisajes, retratos en grupo y escenas costumbristas, principalmente. Es, precisamente, en los cuadros con esta temática, donde destaca Vermeer (si, ya sé que también es el autor de La joven de la perla, pero hoy no toca). Son estos cuadros, los suyos, donde podemos ver la vida privada de las clases acomodadas, así como escenas domésticas donde las protagonistas suelen ser ellas, las mujeres.

Vermeer no pinta nada distinto a lo que pintan otros pintores de su época, aunque sí podemos decir que logra hacer versiones más refinadas y originales. Sus cuadros son fruto de un complejo y elaborado proceso de composición y, aun así, consigue hacer creer al espectador que la escena que contempla es real. En estas composiciones, para dar profundidad al cuadro, se suele ayudar de sucesivos planos, poniendo en muchos casos en primer lugar algún elemento que haga de separador entre el espectador y el personaje del cuadro. Sí, eso es muy característico en sus obras, como también lo es el tratamiento que hace de la luz. Ésta suele provenir de una ventana situada a la izquierda de la estancia, envolviendo sutilmente los objetos y creando una atmósfera ciertamente casi mágica.

                                                        

Se sabe que Vermeer no fue un pintor muy prolífico. De los cuadros que pintó, solamente han llegado hasta nuestros días unos 35. En su época, gozó de reconocimiento pero, posteriormente, cayó en el olvido hasta mediados del siglo XIX, donde fue redescubierto y su obra fue puesta en valor. (Para que veamos lo que son las modas.)

El placer de la Lectura. Luis M.G.M.

En el dibujo de hoy, podemos ver a una niña absorta en la lectura de un libro, sobre una cama en una habitación que seguro no es la suya. Demasiado orden quizás, y la decoración no se corresponde con una niña de esta edad, faltan peluches sobre la cama, muñecas…. Al igual que en los cuadros de Vermeer, la protagonista no percibe que la están observando pero, en este caso, las puertas abiertas de la habitación invitan a mirar y a la vez actúan como separador entre el espectador y la protagonista. Ésta es la única semejanza, por lo demás….

La idea inicial era la de dibujar la habitación (sí, otra fotografía que me llamó la atención), por el techo abuhardillado, por cómo se reflejaba la luz en los cristales de la puerta. Todo en la habitación era blanco y contribuía a la luminosidad de la estancia. En conjunto, la verdad, resultaba muy acogedora y me pareció bien dibujarla. Sin embargo, una vez dibujada, comprobé que quedaba vacía, incompleta, y entonces decidí poner a la niña sobre la cama (ésto para mi no es tan fácil como lo cuento, seguramente antes de poner a la niña pensé en poner otras cosas y una vez que me decidí hice varios intentos hasta que me salió). Lo único que modifiqué de la habitación para que el dibujo funcionara, fueron las cosas que están en la repisa de la ventana, las moví hacia la derecha. Y bueno este es el resultado final. Espero que os guste.

¡¡Ah!! Se me olvidaba. El artista recomendado de hoy es Jonh Wonnacott  y aquí os dejo un enlace a unas cuántas obras suyas. ¡¡Hasta la próxima!!

                                    Luis M.G.M.

El dibujante (I): Niño con una leona

Hoy creamos una nueva entrada y, con ella, una nueva sección: El dibujante. En esta sección, nuestro nuevo colaborador, Luis M.G.M., nos "presta" sus dibujos haciendo una reflexión, explicando cómo le vinieron las ideas de cada uno o, en definitiva, lo que hacemos en NOROGACA, dejar que cada uno de nosotros exprese sus ideas, conocimientos o sentimientos acerca del tema que nos apetezca, siempre que no sean temas polémicos (religión, política, etc.). Así pues, os dejo con la primera entrega de El dibujante y espero que tenga tan buena acogida como las otras secciones del blog....

Antes de comenzar, lo primero que quiero hacer es agradecer la oportunidad de participar con esta pequeña colaboración en la elaboración de este blog. Soy aficionado al dibujo y me han invitado a compartir alguno de mis trabajos con vosotros, y además me han dado libertad para escribir sobre lo que quiera…. 

Pues me gustaría empezar hablando un poquito sobre el talento y la conocida regla de las 10.000 horas del Doctor en psicología K. Anders Ericsson, y que, en resumidas cuentas, viene a decir que para que alguien pueda llegar a convertirse en experto en una determinada materia o disciplina serian necesarias unas 10.000 horas de práctica, de trabajo acumulado a través de los años para poder llegar a ese grado de excelencia, lo que vienen siendo 3 horas diarias durante 10 años aproximadamente. Se hace hincapié no tanto en la importancia del talento innato como en el esfuerzo personal y la dedicación como requisitos indispensables para lograr el éxito. Además, se considera fundamental un entorno propicio para lograr esa práctica. Y se subraya los beneficios de empezar a una edad temprana.

Me gusta esta teoría porque lo que hace es recalcar la importancia del esfuerzo y de un entorno favorable que propicie ese esfuerzo para conseguir aprovechar el talento. Con lo que no estoy de acuerdo es con hacer creer a la gente que, echándole horas cualquiera se puede convertir en un genio, que es lo que algunos siguiendo esta teoría han dado a entender. Una predisposición innata resulta fundamental en estos casos, aunque seguro que sin las 10.000 horas de práctica no se conseguirían esos resultados. Vamos, que por mucho que yo me esforzara no sería capaz de pintar la Capilla Sixtina, y Miguel Ángel, a pesar de su talento, tampoco lo hubiera conseguido sin toda la dedicación previa que acumuló a través de los años.

A modo de conclusión diré que: El que tenga algún talento que lo cultive, si no lo desaprovechará y lo perderá.

A través de la práctica, se puede conseguir mejorar cualquier capacidad por pequeña que sea, con trabajo y dedicación es posible conseguirlo.

El país que pierde a su gente más capacitada y con mayor talento (lo digo por toda las personas que han tenido que abandonar España por la situación actual, no lo duden entre los que se van se marchan los mejores que aquí no encuentran su oportunidad), está abocado al fracaso. 

Volviendo al tema que me trajo aquí, el dibujo que he elegido para enseñaros es el de un niño con una leona. Con niños y animales triunfas seguro, ya sea en una película, en una fotografía o en un cuadro. La idea surgió de un dibujo previo de un niño rodeado de flores y frutas que había dibujado hace algún tiempo, copia de una fotografía que me había llamado la atención. Yo suelo dibujar sobre todo fotografías que me llaman la atención, ya lo iréis viendo si me dejan volver a escribir algo en este blog. Ya tenía al niño y mi intención era la de hacer algo impactante, digo: pues nada le ponemos detrás un animal... un león puede estar bien y yo buscando leones por Internet… Al final, dibujé una leona que resultaba más fácil, porque no tienen melena. 

Niño con una leona. Luis M.G.M.

La verdad es que muy impactante no me quedó, pero estaba bonito. Por ultimo, para hacer “creíble” la escena, me dije, la situamos en el pasado, en la antigüedad clásica (aunque si lo pienso bien no creo que en la antigüedad hubiera muchos niños compartiendo juegos con un león) y, acordándome de Lawrence Alma Tedema, gran pintor de escenas del mundo antiguo, decidí poner de fondo un pretil de mármol blanco y un suelo con losas de mármol blanco y negro. Como veis, no reparamos en gastos como en Parque Jurásico....

Bueno, y esto es lo que salió. Por el resultado final, vi que tal y como había quedado, y como miraba la leona al niño (no con cara de hambre por favor, bien podría parecer una alegoría de la maternidad), representando la leona el coraje y el arrojo que las madres demuestran por sus hijos (¡¡qué bonito!!). Bueno eso, o las ganas de habérselos comido cuando eran niños, por la guerra que les han dado cuando han sido mayores, como dice el dicho. Esto último, la identificación de las madres con una leona, es solo una apreciación que puede no corresponderse con la realidad, pero como yo soy el autor…. 

Espero que el dibujo, aunque no sean gran cosa, os guste.

Por último, me atrevo a recomendar a un artista actual. Para los que duden que todavía sigue habiendo buenos pintores. Su nombre es Steve Hanks. Os pongo un enlace para que podáis ver su obra.

Esto es todo por hoy, no sé si me volverán a llamar. En cualquier caso, que os vaya bien, hasta siempre.

Luis M.G.M.